Le Trou noir (1979)

Un film de Gary Nelson

Production Disney atypique, née de la vague de science-fiction déferlant sur le monde à l’époque, Le trou noir est assez méconnu, malgré un casting bien pourvu, jugez plutôt : Anthony Perkins, Robert Forster (Jackie Brown) et  Ernest Borgnine (La horde sauvage, L’aventure du Poséidon).

Le vaisseau spatial Palomino passe à quelques encablures d’un trou noir, phénomène physique mystérieux qui attire tout ce qui passe à proximité, et fait disparaître tout ce qu’il absorbe. Non loin de là, l’équipage aperçoit un vaisseau porté disparu depuis longtemps, le Cygnus. Une fois à bord, ils découvrent un vieil homme reclus, le professeur Reinhart, qui règne en despote sur une armée de robots qu’il a lui-même construit. Tout l’équipage du vaisseau a visiblement péri...

Le trou noir est tributaire de nombreux récits de science-fiction, de façon on ne peut plus flagrante : beaucoup de Planète interdite pour la structure générale, Star Wars pour le décorum et les pistolets laser, et un brin de 20 000 lieues sous les mers... En secouant bien, vous obtenez le cocktail du Trou noir, auquel il faudra ajouter le côté mystique de 2001, l’odyssée de l’espace.  Malgré ce mélange de classiques tout à fait visible, Le trou noir est un moment de cinéma appréciable, notamment par des personnages bien campés, caractérisés avec attention. Le réalisateur Gary Nelson, habitué des séries TV Disney, sait laisser du temps à certaines séquences, pour laisser distiller une ambiance étrange, par ailleurs pas vraiment destinée aux enfants. Les matte paintings de Peter Ellenshaw jouent beaucoup dans le caractère immersif du vaisseau, poussant au maximum la profondeur de champs dans des perspectives infinies. Design industriel, échafaudages métalliques et tubes en tous genres conduisent les personnages vers des salles majestueuses, comme la salle de contrôle de Reinhart. Le passage qui les amène dans la serre est très beau, ouvrant sur un autre monde de cinéma en passant des claustrophobiques couloirs jusqu’à une nature (apparemment) sauvage et foisonnante.

Cependant, Le trou noir pâtit de ses ambitions science-fictionnelles et de son public cible ; à des scènes assez sombres (l’enterrement d’un des robots, la découverte du stratagème), il superpose des scènes de comédie à l’aide de Vincent, le robot friendly qui parle. Rien que son apparence, avec ses gros yeux dignes de Donald ou Mickey, nous indique son rôle dès le début. Avec ces phrases-citations de proverbes, il constitue la fusion de R2D2 -pour la taille- et de C3PO -pour le discours. Les règlements de comptes sur fonds de jeu vidéo, où un robot noir (Dark Vador, es-tu là ?) manie ses flingues à la manière caricaturale des cow-boys de fiction, sont aussi là pour dédramatiser le reste du film. L’unité du film est alors à chercher, comme on l’a dit, dans les personnages, dans les décors, et la musique de John Barry, mondialement connu pour les musiques de James Bond (dont on reconnaîtra à l’occasion quelque montée de violon ou enchaînement mélodique caractéristique). Le final est assez étrange, et la morale pas si unilatérale que le laisserait penser la représentation archétypale de la fin du personnage de Reinhart. Étrange et bancal, pour sûr, le résultat est loin d’être inintéressant et mérite une (re)découverte pour certaines très belles séquences.

Darkness (2002)

Un film de Jaume Balaguero

Shining reloaded

Un couple et ses deux enfants, Paul et Regina, s’installent dans une vieille maison à la campagne. Le mari commence à avoir un comportement colérique, et c’est le début d’une longue descente aux enfers...

Darkness a un scénario bien dégraissé ; son objet est, de même, aussi simple qu’insondable, la peur du noir. On se retrouve donc en quasi huis-clos dans cette maison à l’allure bien étrange, où les apparitions ne vont pas tarder à surgir. Car, à la différence de Shining (Stanley Kubrick, 1980), dont c’est le grand modèle, le film ne lésine pas sur la réalité du malaise procuré par la maison ; il se manifeste par des entités physiques dès le début du film. Le film joue donc sur l’explicite, mais avec un savoir-faire évident. De même, il investit le terrain ô combien classique des films de maison hantée, mais y apporte un tel soin que c'en est intimement flippant. Au rayon des ressemblances, autant hommage que pillage, voire remake, le mari a les mêmes expressions de folie que Jack Nicholson / Torrance, le petit garçon a une voix tout à fait similaire au Danny Lloyd de l’hôtel. La maison est évidemment une déclinaison de cet Overlook Hotel, partageant avec lui les mêmes teintes cendrées et les apparitions de sœurs jumelles en souffrance. Rien que le resserrement narratif à base de cartons indiquant les jours passant (Tuesday, premier choc temporel, dans Darkness comme dans Shining) en fait un véritable relecture contemporaine, avec en sus les tics de mise en scène de Balaguero. Un montage sensitif, la caméra bougeant au même rythme -infernal- que le cœur des personnages principaux, associé à des bruitages stridents dérangeants (comme des ongles qui grattent un tableau d’ardoise, ou bien encore des dents qui grincent, ça doit parler à tout le monde), une mise en scène qui se voit, à base de symétrie, de travellings proprets, de nombreux inserts, ... Puis, deuxième marque de fabrique de Balaguero, le caractère désespéré de ses scénarios, érigés en principe narratif. Aucune échappatoire n’est laissée, à personne. Que ce soit dans son premier La secte sans nom (1999), terrifiant, ce Darkness, à la fin tout aussi glaçante, bien que moins dérangeante, jusqu’à [Rec.] (2008), en passant par le téléfilm A louer (2006), le message est clair. Lorsque les portes du film se referment, elles retiennent en otage tous le monde, y compris les spectateurs, pris aux tripes par ces aventures qui voyagent jusqu’aux extrêmes de la peur. Il n’y a guère que dans Fragile, qui, malgré une fin triste, nous en laisse moins sur le cœur.

L’autre versant vers lequel penche le film est l’horreur transalpine, tant l’intérieur de la maison, ainsi que l’appartement du grand-père, convoque le cinéma d’Argento et de Mario Bava. Des vitres aux couleurs franches et lumineuses, avec beaucoup de vert (couleur souvent associée à la peur et à la mort) et de rouge, mais aussi des jaunes et des bleus. On pourrait se croire dans le pensionnat de Suspiria (Dario Argento, 1977), ou dans Les trois visages de la peur (Mario Bava, 1966). Tous ces films ont aussi en commun la manipulation perverse du spectateur, qui s’embarque dans une histoire, prend quelques personnages pour repères, souvent ceux-là mêmes qui sont l’origine du mal. Là encore, on peut penser à Anthony Shaffer, un des premiers scénaristes à avoir essayer cela au cinéma, avec grande réussite (Le limier, de Mankiewicz, The Wicker Man de Robin Hardy ou Frenzy d’Alfred Hitchcock).

Pour Balaguero, l’exploration de la peur sous toutes ses coutures, et l’obsession de remonter à la source de la peur, semble être la même fascination morbide qui animait Hitchcock et son éternel crime parfait. Et le cinéaste espagnol de répondre que c’est au sein du cercle où l’on est sensé être le plus en sécurité que peut jaillir le plus terrible des cauchemar. La peinture de ce cauchemar, dans le dernier quart du film, aura inspiré Christophe Gans pour son Silent Hill (2005), avec ses murs sanguinolents, représentation assez classique des feux éternels de l’enfer. Ceci dit, ici l’enfer est plus représenté par l’obscurité que par la chaleur rougeoyante des flammes. Sur ces impressions qui resteront encore longtemps après projection, je vous souhaite une bonne nuit ! (m’en vais me regarder un Tex Avery, moi... Brrrr !)

Classics Confidential : le DVD nouveau made in Wild Side Vidéo

Tout d’abord, une fois n’est pas coutume, permettez-moi de vous conter un midi peu ordinaire. Ce 25 janvier, je relève, comme d’habitude, ma boîte aux lettres, découvrant un colis m’étant adressé. Après une demi-seconde d'intense réflexion, je me rappelle avoir participé à un jeu sur CinéManiaC, fin décembre, pour gagner un coffret Fritz Lang que j’avais repéré sur les plannings de sortie et qui augurait d’une haute tenue : le premier Classics Confidential, comprenant deux films américains de Fritz Lang parmi les plus connus, ... et un livre étudiant le rapprochement des deux métrages. Ce qui m’a fait oublier ce concours, c’est que les gagnants devaient recevoir les DVD très vite, pour Noël. Ne voyant rien venir à l'époque, j’ai vite déchanté. Ce n’est en effet qu’un mois plus tard, dans une grande enveloppe aussi scellée qu’un coffre-fort d’une banque suisse, j’ai vu avec bonheur débarqué ce cadeau inattendu. Merci à Cinémaniac et à Wild Side Video, car c’est un beau cadeau pour ce début d’année.

Si je reviendrais plus en détails sur le contenu du coffret et la chronique des deux films, que je n’ai pas vus ; évoquons par contre le packaging, tout à fait atypique. L’ensemble tient plus du livre que du DVD, avec une couverture mat et solide du plus bel effet, auxquels les films s’adjoindraient comme compléments, au vu du soin apporté à la maquette, constellée de photos d’exploitation ou de plateau voyant Lang au travail avec ses comédiens. La tenue du livre est vraiment une excellente surprise, rempli d’anecdotes mais aussi du contexte de production, précis et bien écrit, ainsi que des biographies succinctes des principaux membres de l’équipe. Un bémol : les DVD, enfichés directement dans le livre, risquent de s'abîmer rapidement à force de manipulation et donnent envie de les ranger à part.

La thématique de cette collection me paraît extrêmement alléchante -des fleurons de l’âge d’or d’Hollywood, notamment des westerns-, et la plume érudite de Jean Ollé-Laprune, historien du cinéma et fondateur de Ciné premier et Ciné Classics, n’y est pas étrangère. On est immergé au cœur de ces œuvres qui ont façonné un pan du cinéma hollywodien, et l’alliance livre / DVD a rarement été poussée aussi loin. Quand le livre est pensé en même temps que le support film, il est on ne peut plus "raccord" avec son objet. A suivre, entre autres, Convoi sauvage et Le fantôme de Cat Dancing de Rochard Sarafian, puis un autre dyptique Langien, ou encore Le jugement des flèches, de Samuel Fuller. Ces Classics ne sont-ils pas l'occasion pour Wild Side de recréer leur propres Introuvables, dont la Fnac les a plus ou moins dépossédés ? (en tous les cas, il est certain que l’économie de packaging depuis la reprise, simple boîtiers plastique enfilés dans des foureaux cartonnés, ainsi qu’une charte graphique bien moins inspirée, ne soient pas du goût de tout le monde). Cette nouvelle collection remet en valeur toute la noblesse de l’objet DVD, petit à petit oubliée...Décidément, pour toutes leurs innovations et le soin constant qu’ils apportent à leurs éditions, Wild Side représente toujours aujourd’hui le fer de lance de l’édition DVD de patrimoine.

Ciné d'Asie : Le poignard volant (1977)

Un film de Chu Yuan

Adapté d’un roman de Gu Long, Le poignard volant est un film de sabre tendance polar, superbement mis en scène par le réalisateur esthète de la Shaw Brothers. Li le lettré (Ti Lung, un des acteurs préférés du cinéaste), chevalier errant, devenue alcoolique et souffrant, revient après 10 ans d’exil, alors qu’il a précédemment donné à son sauveur la femme qu’il aimait, en mariage. Tous les experts en arts martiaux se rassemblent pour combattre Fleur de Prunier, épéiste fou qui en veut à Shi-Yin, la fameuse femme que Li a laissé derrière lui, et dont il est toujours amoureux. Mais il est pris au piège... Une première quête mènera à la découverte du contenu d’un mystérieux sac rouge, tandis que la deuxième partie se concentrera sur l’identité de Fleur de Prunier.

"Les êtres humains ressemblent [aux araignées]. Chacun tisse sa toile. Et quand elle est achevée, on s’y enferme pour la vie. Tout ce qu’on a fait autrefois par affection, amitié, amour, ou pour soi-même, sont des fils dans lesquels on s’enroule. La toile qu’ils forment est une prison. Il nous est impossible de fuir. Certains appellent cela le destin."

Cette déclaration, récitée par Li le lettré, résume admirablement le principe même des films de Chu Yuan, dans lesquels le scénario, telle une toile tissée de dizaine de fils, va d’une direction à l’autre en l’espace de quelques secondes. Ici, Li réchappe à une tentative d’empoisonnement mais pas deux, un ennemi d’un temps devient le compagnon de route du héros... Les chemins se croisent, et la plupart du temps se recroisent avec une donne toute nouvelle. La dimension aliénante se rapporte, sinon à la vision du réalisateur, plutôt à celle du personnage de Li, qui a fait un choix par le passé, qu’il regrette depuis lors. Sa cicatrice, incurable, est constituée par sa toux et son alcoolisme, gravés dans les caractéristiques psychologiques du personnage. C’est ce qui fait tout l’intérêt du cinéma de Chu Yuan, qui n’a de cesse de complexifier ses intrigues.

L’autre point fort du Poignard volant, c’est le tournage en extérieurs -chose assez rare chez la Shaw- de leur périple qui passe par des  plaines désertiques et enneigées, ou des magnifiques lacs gelés et autres rivières figées dans la glace. Ces passages portent en eux une certaine poésie, confrontant l’homme à l’immensité du monde naturel, et du même coup au poids trop lourd de sa vie. Leur déambulation, soutenues par la musique épique pour une fois tout à fait appropriée donne l’ampleur nécessaire au récit.

Les pièges évités par les héros se révèlent retors à souhaits, soit fruit de l’esprit de Fleur de Prunier ou de Cinq Venins, un faiseur de poison ne manquant pas de ressources ni d’imagination ! Au final, doté d'un surréalisme unique, Le poignard volant est une très belle surprise, alliant l’originalité des décors à la grâce des combats, bondissant dans de véritables arabesques spatiales dues à Tang Chia, qui accompagne nombre de films du réalisateur. La Shaw Brothers est bien un monde à part qui, alors même qu’il vit ses derniers instants dans cette fin des années 70, sait procurer des instants de pure jouissance formelle : vive Chu Yuan !

Source image : capture dvd Wild Side Video

Lust for a Vampire (1971)

Un film de Jimmy Sangster

Luxure pour un vampire : tout un programme pour Jimmy Sangster, plus reconnu en tant que scénariste à la Hammer Film (Frankenstein s’est échappé, Le cauchemar de Dracula, La revanche de Frankenstein, la sainte trinité Hammer en quelque sorte) que réalisateur au sein de la même firme. Pour son deuxième film à ce poste, il  s’attelle à la suite de The Vampire Lovers, sorti l’année précédente, et donc aux personnages des vampires Karnstein. Toujours porté par le trio Tudor Gates (scénario - Harry Fine et Michael Style (production), le film offre quelques changements dans la continuité des personnages originellement créés par Le Fanu. Mircalla, auparavant interprétée par Ingrid Pitt, est cette fois incarnée par la toute danoise Yutte Stensgaard, et qui offre un tout autre regard sur la comtesse. Alors que Ingrid Pitt campe une lesbienne, femme forte qui fait plier les hommes à sa volonté par son regard hypnotique, Yutte lui oppose l’hétérosexualité (cependant relativisée par l’entourage d’un pensionnat de jeunes filles), sa blondeur et son teint diaphane, ses grands yeux bleus laissant entrevoir une fragilité toute nouvelle. Elle va s’exprimer dans le scénario par un amour (encore) contre nature avec un homme non vampire qu’elle va essayer de protéger d’elle-même. La love scene qui les voit s’embrasser langoureusement est d’ailleurs très belle, Mircalla semblant constamment hésiter entre mordre-tuer et embrasser-aimer, comme si ces deux dimensions co-existaient continuellement.

Les films Hammer, et particulièrement leur cycle vampirique, font la part belle aux créatures féminines, véritable scream queens qui peuplent de leurs atours avantageux les bandes d’exploitation de la firme. Ainsi, on les rapprochera des James Bond Girls, qui accompagnent, ou ornent, c’est au choix, les aventures du personnage principal. On notera que, dans cette trilogie Karnstein, les rôles s’inversent, voire fusionnent. La femme, autrefois victime ou simple complice, devient ici le bourreau, le personnage puissant. Elle renverse ainsi le traditionnel rapport de force maître / élève (car l’homme qui est éperdument amoureux d’elle n’est autre que son professeur). Les femmes submergent d’ailleurs le récit par leur nombre (l’armada du pensionnat), et par leurs responsabilités : le pensionnat est dirigée par un duo féminin qui se bat pour le pouvoir. Les hommes qui voudront combattre cette structure sociale seront punis de mort "par crise cardiaque" (l’inspecteur et le père de la jeune fille tuée par Mircalla), comme le justifiera le docteur bien spécial de la comtesse. Voilà qui en remontre au monde des vampires, d’habitude administré par les hommes. Lust for a a vampire fait bien suite à Vampire Lovers sur ce point, lui qui amenait le lesbianisme et la domination féminine tout en même temps.

A part cela, le film traduit la nouvelle orientation nudité oblige du studio ; ici, tout prétexte est bon à prendre pour dévoiler le corps des actrices : séquences dans le pensionnat, massage entre deux colocataires (mémorable passage du oups ! ta bretelle tombe toute seule !), re-naissance de Mircalla, bref tout (y) passe, et rien n’a de justification scénaristique : carton rouge...

Le padre vampire, qui apparaissait parcimonieusement dans Vampire Lovers, prend ici plus d’importance, l’acteur (Mike Raven) n’ayant été visiblement choisi uniquement pour sa ressemblance avec Christopher Lee ; lors des gros plans de ses yeux injectés de sang, c’est particulièrement flagrant ! Mais, malgré cette feinte gémellité, rien du charisme du pilier Hammer ne transparaît.

Pas mis en scène, mais doté comme à l’habitude de beaux costumes, et de décors "minimalistes" Lust for a vampire a ses bons côtés ; malgré tout, ses faiblesses (et son générique rose fluo digne d’un téléfilm érotique cheap) ne donnent pas vraiment envie de voir la suite que constituera Twins of Evil, alias Les sévices de Dracula par chez nous. Nous en serons pourtant, au moins parce qu’on peut y voir l’immense Peter Cushing !