L'enquête (2009)

Un film de Tom Tykwer

Le réalisateur de Cours, Lola cours (1999) fait son bout de chemin aux États-unis. Après Le parfum, adaptation assez réussie malgré des séquences casse-gueule, il nous revient avec un thriller tendance parano, héritier des films politiques des années 70, sous-genre qui semble, aujourd'hui plus que jamais, refléter une réalité déformée par la désinformation et le double langage. Le fantôme commun à tous ses films, l'assassinat de JFK, flotte sur plusieurs séquences du film et notamment sur celle, quasi identique au drame, du meurtre du nouveau directeur de la banque IBBC. On a droit à une analyse de trajectoire directement inspirée des exploits des Jim Garrison à la commission Waren, et à la certitude de la présence d'un deuxième tireur, éternelle question officiellement éludée par la théorie de la balle magique défendue par cette même commission. Conformément à la thèse du complot et au destin d’Oswald, le premier tireur est d'ailleurs lui-même piégé et tué pour la cause.

Ici, un duo d'agents d'Interpol enquête sur la mystérieuse disparition d'un de leurs collègues, pour remonter vers la fameuse banque aux ramifications tentaculaires. Illustre aînée de cette Enquête, Les hommes du président (1976) est cité de façon plus imagée à travers l'impressionnante fusillade finale, à l'intérieur du musée Gugenheim. La structure ovale, donnée par la perspective des étages du musée, lui donne l'aspect d'un réseau labyrinthique suggéré dans le film Pakula par le fameux plan de la bibliothèque du congrès en plongée, immense réseau dont Woodward / Redford et Bernstein / Hoffman, souris cherchant la clé du mystère Watergate, veulent dénouer les fils. Les cadres, de la même façon, ne cesse judicieusement de positionner l'homme constamment seul, perdu au milieu d'un vaste ensemble aux limites indéfinissables (halls immenses, voies de circulation, mégapoles infinies). Il doit ainsi trouver les limites, aller jusqu'au bord et les dépasser, pénétrer la zone interdite, seule détentrice possible d'une vérité.

L'héritage est visible, l'hommage appuyé, ce qui enlève quelque peu de sa valeur au film. Ces vieilles ficelles, créant un suspense prenant, n'en font pas moins un agréable moment de cinéma, loin des films palôts du type L'affaire Pélican, pourtant réalisé par Pakula lui-même, qui ont essayé de marcher sur les traces de ces mêmes inspirations dans les années 90. Clive Owen est un acteur magnétique, l'air toujours inquiet, à qui ce genre de rôle sied particulièrement. Les fils de l'homme d'Alfonso Cuaron (2006) lui avait déjà donné l'occasion de parcourir, regard hagard, les cadres aux tonalités pessimistes d’un monde trop contrôlé. Naomi Watts, elle, reste étrangement un cran en dessous, trop proprette pour convaincre.

L'enquête s'inscrit dans le même temps en relecture de notre époque immédiate, s'auto-désignant comme film de la crise. Le milieu des banques, pointé du doigt, est aujourd'hui logiquement légal cinématographique des laboratoires pharmaceutiques (The Constant Gardener, 2005) ou des partis politiques (A cause d’un assassinat, 1975). Sans faire preuve d’originalité, bien conscient du modèle de films qu’il convoque, Tom Tykwer signe donc là un honnête suspense.

Source image : affiche du film © Sony Pictures Releasing France

Watchmen : le director's cut (2009)

Un film de Zack Snyder

Dernière étape, qui vient après de premières impression sur le Watchmen cinématographique (ici et là), le director’s cut de cette adaptation discutée permet d’approfondir le sujet.

Inédit (pour l’instant) en Europe, cette version longue du film -24 minutes d’images inédites- assied Watchmen au côtés des director’s cut qui y gagnent une valeur ajoutée indéniable en regard de leur version originellement projetée en salles. On y retrouve les scènes d’anthologie, à commencer par un générique stupéfiant sur fond de The Times are A- Changin' : soit l’introduction de cette fameuse uchronie dans laquelle se débattent les personnages de notre histoire. On y croise le Comédien, visiblement très impliqué dans l’assassinat de JFK en 1963, ce même JFK qui a salué quelques années auparavant l’impressionnant Dr Manhattan ; l’alunissage en 1969, ainsi que la guerre du Viêt-Nam (gagnée en 1 semaine grâce à l’intervention du même Manhattan, véritable arme humaine qui dans le même temps peut être considérée comme un dieu - un journaliste télé nous dira plus tard « Dieu existe, et il est américain ! ». On y croise brièvement Andy Warhol qui sérigraphie Le Hibou, et Ozymandias au portes du célèbre studio 54, où l’on peut distinguer en arrère-plan David Bowie période Ziggy Stardust... Ces références à des épisodes de l’histoire récente des États-unis, tous rentrés dans l’inconscient collectif national, puis mondial, projette directement le spectateur dans une myriade de repères et installe également le décalage propre à l’uchronie : par l’intermédiaire de ce seul générique musical, on pénètre de plain pied dans la matière première de Watchmen - la BD.

Mais alors, qu’en est-il de ses ajouts par rapports à la version ciné ? La première chose que l’on peut avancer, c’est qu’on ne les remarque pas, à l’exception de la séquence de la mort d’Hollis Mason, le premier Hibou, qui occasionne une séquence de 4-5 minutes et des prolongements dans d’autres scènes connexes. Les autres ajouts sont donc prolongement de scènes existantes, qui fluidifient le récit, complexe, et apportent des précisions qui sont nécessaires à la vraie compréhension des enjeux du film. De nouvelles considérations du Dr Manhattan, au discours intérieur de Rorschach avec son journal, qui lient mieux les séquences entre elles. Même la scène d’amour, qui apparaissait trop superficielle dans sa version ciné, gagne ici quelques plans -le visage de Laurie, extatique, qui nous ancre dans une sensation plus réaliste. Les excès gore sont toujours aussi grand guignolesques, mais surprennent toujours autant par leur soudaine cruauté... Ce qui donne un cachet très particulier au film, surtout comparé au tout-venant des films de super-héros - avec ses ajouts, le film prouve d’ailleurs qu’il fait de moins en moins partie de cette catégorie, orientant l’ensemble vers une vision désenchantée où les personnages ne se battent pas du tout pour le bien de la communauté, mais pour leur seul plaisir personnel : une dérive très humaine, plutôt qu’un utopique combat désintéressé, d’où le leitmotiv qu’on retrouve dans la bd comme dans le film : Who Watches The Watchmen, ou : qui surveillent les gardiens ?

Soutenue par une musique toujours juste, tant du côté de la musique originale créée par Tyler Bates, ou par ses emprunts à la culture populaire mondiale (Dylan, Hendrix, Simon & Garfunkel, la chevauchée des Walkyries de Wagner, un peu de Mozart), Watchmen se pose en relecture de la culture populaire, admirablement contée et mise en image avec une passion respectueuse pour la bd d’origine ; si vous avez tout suivi, il faut donc : ne pas acheter la version ciné disponible en Europe, mais préférer l’import américain; et LIRE LA BD !

Au final, une version alternative nous attend encore au tournant avec l'Ultimate Cut qui ajoute à la version chroniquée ici le passage animé des Contes du vaisseau noir. La promesse de cette version "Ultime" sera-t-elle tenue, tant le Director's Cut paraît abouti ?

Ciné d'Asie : Je suis un cyborg (2007)

Un film de Park Chan-Wook

Après l’uppercut Old Boy (2004), le cinéaste coréen avait déjà quelque peu déçu les spectateurs de son Sympathy for lady vengeance (dont nous ne gardons qu’un souvenir lointain et... vide). Découvrant Je suis un cyborg (dont le titre anglais, I’m a cyborg but that’s OK, donne déjà plus d’indices sur le décalage assumé du propos), on ne peut qu’être qu’objectivement gêné.

L’invention visuelle est toujours de mise, débutant par un générique facétieux, qui rappelle ceux de Tim Burton, secondé par un morceau à la mélodie très colorée. L’extrême saturation des couleurs et la prédominance du blanc en font un objet pop clairement influencé par la mode anime ; de même, les expressions des personnages, excessives, et leurs agissements, incompréhensibles -le film prend place dans un asile, où chaque patient est un cas d’école- nous confortent dans la direction prise. Oui, cela, c’est très clair, ce qui l’est beaucoup moins, c’est de saisir l’intérêt de la démarche, dans un film où on se débat pour trouver un début de scénario.

Des scénettes s’enchaînent, poussant l’absurde aussi loin qu’un sourire peut poindre à l’occasion, mais aucun liant ne vient sceller l’ensemble. Les personnages ne semblent tout au plus que des jouets pour le réalisateur, et l’on a la sensation bizarre d’être au zoo en train de regarder des bestioles en cage, sans comprendre leurs actions. On est bien loin de la sophistication scénaristique d’un Old Boy, et sûrement c’était le but escompté, pour en finir avec cette trilogie de la vengeance aussi noire que ce film-ci est... rose ? Non, le cyborg est bien un grand malade mental chez Park-Chan Wook, et la folie est ici toujours de mise ; une folie douce mais destabilisante, qui s’empare du récit pour en cannibaliser sa substance. Le film n’est plus, ne reste qu’une accumulation de situations ubuesques, sans queue ni tête. Tout juste comprendra-t-on qu’il s’agit d’une romance entre cette fille qui croît être un cyborg, dont la mère croyait être une souris, et dont le prétendant se ballade affublé d’un masque de lapin, rendant toujours ce qu’il a volé comme Goku qui fait une fusion dans Dragon Ball (comprenne qui pourra).  C'est sensé être une comédie, et l'on se prend à penser que cet assemblage bancal se réclame d'une certaine poésie, mais en vain. Le résultat en laissera plus d’un sur le carreau... En attendant quand même le prochain essai du cinéaste, le film de vampires "autre" Thirst, présenté à Cannes 2009.

Source image : affiche cinéma © Wild Side

L'enfer du dimanche (2000)

Un film de Oliver Stone

Oliver Stone sait faire très fort. Il l’a prouvé par de véritables uppercuts cinématographiques dont j’estime l’apogée avec JFK (1991), magnifique film-enquête passionné et passionnant qui se débat avec l’Histoire, les complot et une vraie dimension paranoïaque. Avec L’enfer du dimanche, c'était loin d'être gagné, le football n’étant pas, pour le dire simplement, un très grand intérêt personnel.

Tim Burton au Pays des merveilles

Ces derniers jours, on a vu apparaître sur la toile la première bande annonce d'Alice au pays des merveilles revue et corrigée par Tim Burton. Outre la présence de Johnny Depp, devenue presque obligatoire dans un film du cinéaste californien, on notera le mimétisme parfait qui semble s'opérer entre ces premières images et le film d'animation réalisé par le pool Disney en 1951.

Le look d'Alice, La chute dans le trou, le voyage à la verticale dans un tourbillon d'ojets hétéroclites, la salle en damier, la potion qui fait rapetisser, tous ces moments sont ancrés dans la mémoire cinématographiqe d'un bon nombre de spectateurs. Ceci dit, pendant que ces images familières défilent à l'écran, une différence notable se fait entendre : la partition musicale tourmentée qui semble créer un suspense, une attente, en apparente contradiction avec des images connues. Musique signée Danny Elfman, comme à l'accoutumée ; elle fait partie intégrante de la patte Burton, qui imprime à la bande annonce sa marque évidente, et indique une première réappropriation du récit. Après cette introduction posant bien les choses (situer un univers connu et indiquer la particularité du style Burton), on a droit  des images plus inhabituelles qui viennent prouver qu'il ne s'agit pas là d'un simple remake, ou de régurgiter une forme universellement connue.

On aperçoit certains personnages absents de la précédente version de Disney (le premier logo nous dévoile, si l'on ne le savait pas déjà, qu'il s'agit toujours d'une production de la firme aux grandes oreiles), telle la reine blanche, et le look de certains personnages (la reine de coeur) est tout à fait nouveau. Autre nouveauté, et non des moindres, le personnage central, narrateur de la bande annonce, comme certainement du film à venir, n'est autre que le chapelier fou alias Johnny Depp. Il est d'ailleurs le premier au générique et le seul dont le nom est présenté dans les images de la bande annonce, le reste du casting restant isolé dans les crédits finaux. Ainsi, alors que Johnny Depp squatte l'espace et le son de son drôle d'air, Alice n'a pas même une ligne de dialogue. Version Burton oblige, l'acent sera indubitablement mis sur la folie de Johnny (et de son costume). Les autres éléments restent plus communs mais attestent du sens hybride du film, mélangeant vrais acteurs et personnages en images de synthèse dans le même cadre, pourrait-on ajouter, avec une réelle réussite. Le lapin blanc, Twiddle Dee et Twiddle Dum, ainsi que la chat de Chester sont ainsi virtuels. Ce dernier ne fait-il pas un peu penser au chat Potté de Shrek dans une version -un peu- démoniaque ? On a hâte, en tous les cas, que l'univers d'Alice atterrisse dans nos salles. Ceci dit, mars 2010 est encore loin ! Patience... Et ceux qui ont la chance d'avoir une salle projetant en 3D près de chez eux risquent d'en avoir pour leur argent (malgré qu'il leur faudra débourser quelques euros supplémentaires...)