Batman : The Killing Joke (2016)

Un film d'animation de Sam Liu

DC continue sur sa lancée d'adaptations de ses grands classiques. Après Batman : The Dark Knight Returns ou All-Star Superman, Batman : The Killing Joke se pose un peu là. L'album, récompensé par le Eisner Award 1989, scénarisé par Alan Moore et dessiné par Brian Bolland, a redéfini le personnage du Joker jusqu'à aujourd'hui et marque un tournant pour celui de Barbara Gordon / Batgirl / Oracle.

L'annonce du projet enchante les aficionados, Mark Hamill et Kevin Conroy reprenant respectivement le doublage du Joker et de Batman, comme au bon vieux temps de Batman, la série animée des années 90. La fortune des animés DC étant, pour dire cela poliment, fluctuante, qu'en est-il ici ?

Disons d'abord l'erreur manifeste du projet : celle de greffer sur l'intrigue un prologue (rien moins que les 30 premières minutes sur 1h17 de film !) montrant l'association Batman/Batgirl empreint d'une connivence hors-sujet, menant même jusqu'à une scène d'amour assez franc du collier ; Killing Joke est par ailleurs, sauf erreur, le premier film d'animation DC a être classé R (Restricted)... Pas courant dans l'évocation des personnages, on relève cependant cette même histoire dans le comic book Batman Beyond 2.0. Mais qu'est-ce que ça fout dans Killing Joke ? Et l'on ne mentionne même pas les diverses allusions pas vraiment discrètes ("non, c'est pas mon copain", lance Batgirl à des truands taquins), ou les plans de Barbara Gordon qui jogge façon fan service. Non, décidément, tout cela n'a rien à voir avec la bande dessinée de Moore et Bolland (Batgirl l'admet bien volontiers avec la phrase qui ouvre le film : "Tout d'abord, je sais que vous vous attendiez à un début différent"). 

L'élément remarquable dans tout cela reste l'actualisation du récit. The Killing Joke est paru aux États-Unis en mars 1988, à la préhistoire des ordinateurs et des technologies de l'information. Le film d'animation en fait un récit d'aujourd'hui : Babs communique son père via une oreillette bluetooth, Bruce Wayne / Batman a sa forteresse d'écrans dans la batcave... qui montrent des images du Joker issues d'histoires récentes ! On y reconnaît la version dessinée de Heath Ledger dans The Dark Knight, celle de Jack Nicholson, les poissons au "sourire Joker"issus de l'épisode Heureux comme un poisson dans l'eau, un visuel de couverture de Mike Mignola pour le récit Un deuil dans la famille... Des easter eggs pour fans, certes, mais qui montrent aussi la façon qu'à DC d'actualiser, de déconstruire la continuité des comics.

Passé la première demi-heure, nous avons effectivement ce que "nous attendions". Une adaptation littérale, glauque et flippante du Joker de Killing Joke. A ses trousses, un détective infatigable, presque aussi fou que lui. Tout y est : la fête foraine en ruine, le passé du Joker, aux prises avec des mafieux (évidemment) sans scrupules. La blessure fondatrice de Barbara Gordon, le character design de la série animée des années 90... Disons que les trois derniers quart d'heure valent vraiment le coup. Vous pouvez d'ailleurs commencer le film à la trentième minute (chapitre 4 du DVD/Blu-ray), sans même rater le générique de début, car il n'y en a pas ! Il faut croire que commercialiser un film d'animation inédit en DVD de moins d'une heure n'était pas une option (en même temps, The Killing Joke fait 48 pages)... C'eût été pourtant la chose à faire.

Disponibilité vidéo : DVD/Blu-ray - éditeur : Warner Home Video

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Annecy 2016 : Belladonna (1973)

Un film de Eiichi Yamamoto

Ouf ! Il en aura fallu du temps pour que je me remette à écrire... Un temps qui avait disparu comme par un mauvais coup du sort. L'envie, également, manquait. Mais aujourd'hui, c'est surtout ne plus écrire qui me manque, ne plus lire de commentaires (même si je sais que les blogs ciné sont tout de même moins suivis qu'à une époque). Plus de sept ans depuis la création du Film était presque parfait, et c'est avec un plaisir renouvelé que j'écris aujourd'hui. Il fallait aussi un film extra-ordinaire, dans tous les sens du terme, pour me replonger dans l'écriture : ce fameux Belladonna, dont, jusqu'au programme du festival d'Annecy 2016, je n'avais jamais entendu parler.

Jeanne, abusée par le seigneur de son village, pactise avec le Diable dans l'espoir d'obtenir vengeance. Métamorphosée par cette alliance, elle se réfugie dans une étrange vallée, la Belladonna…

Le vintage, c'est mon dada, vous le savez si vous suivez ces lignes : en voilà une belle tranche, jugez plutôt : un film animé japonais mêlant romantisme torturé, supplices de toutes sortes, une orgie d'anthologie mais aussi des visuels magnifiques, entre art nouveau et trip musical sous acide, rappelant Yellow Submarine ou préfigurant The Wall.

Belladonna est donc, dès le départ, pensé comme un film pour adultes ; il s'agit du troisième opus d'un cycle initié par Osamu Tezuka, nommé Animerama, une sorte d'anthologie du cinéma érotique en animé. Le concept ne marcha jamais vraiment, mais la singularité de Belladonna réside dans les sources d'inspirations du réalisateur, moyen-âgeuse et européenne. l'héroïne, Jeanne, resemble ainsi à une égérie-type des années 60 comme Catherine Deneuve. Les contraintes de production obligent Yamamoto à tourner la moitié du film en image fixe, ce qui donne une drôle de sensation ; celle de regarder un roman-photo sacrément barré. Lorsque l'animation se montre, elle est brutale, choquante même, pour ceux qui ne seraient pas familiers avec les films d'exploitation japonais de la période, comme La femme Scorpion, ou plus encore Le couvent de la bête sacrée. Une imagerie sexuelle totalement débridée s'étale sur l'écran : pénis qui parle, zoophilie, viols, tout un catalogue de perversions dans lequel Jeanne se transformera peu à peu en celle que les hommes surnomme la Sorcière (c'est aussi le titre du livre-scandale de Jules Michelet, adapté ici).

Voir Belladonna, c'est être projeté dans un autre temps, dont la charge punk et féministe ne s'est pas émoussée. C'est, comme on dit, une véritable curiosité : il serait insensé de passer à côté. Pour les plus réticents, sachez que nul autre que l'immense Tatsuya Nakadaï (Yojimbo, Hara-Kiri, Kagemusha, Ran...) assure la voix ténébreuse du diable avec lequel pactise la belle Jeanne...

Crédit image : Belladonna of Sadness © Cinelicious Pics

007 Spectre (2015)

Un film de Sam Mendes

Le nouveau Bond était comme il se doit, attendu au tournant. Tournant qu'il n'a, pour une fois depuis le début de l'ère Craig, pas très bien négocié...

Soyons clairs : sur certains passages obligés, Spectre fait le job : scène pré-générique impressionnante en pleine fête des Morts, générique dans la moyenne (mais pourquoi cette chanson ? Quand on sait que Lana Del Rey s'est -peut-être- vu refusé son morceau 24 autrement plus bondien, c'est à n'y rien comprendre), dépaysement assuré autour du monde, jolie voiture... Mais si tout cela n'était pas le contraire de ce qu'il fallait faire ? Expliquons-nous.

La période Craig s'est toujours différencié par une nouvelle identité : un Bond plus jeune qui a l'air de n'en faire qu'à sa tête, mais avec tellement de classe. Ici, entre tradition et modernité, le réalisateur Sam Mendes n'a pas su trouver la juste mesure. Pourquoi ? Tout en continuant dans une veine sombre, il réinjecte des ingrédients des Bond d'antan : une armoire à glace qui rappelle Oddjob (Goldfinger), un grand méchant trop familier, l'humour - alors que Craig est jusque là dans le registre décalé du sarcasme ; tout cela ne sonne pas juste. L'expliquer autrement serait inutile : le ton ne fonctionne pas. La faute ne vient pas des acteurs, mais des éléments choisis de l'intrigue, ainsi que de leur présentation.

Le jeune Bond a désormais des rides, et il rentre dans les bottes de ses incarnations passées... ce retour en arrière semble trop nostalgique pour être honnête. Alors que le coup de la vieille Aston Martin, apparue comme un éclat du temps passé dans Skyfall, clin d’œil  charmant à la mythologie qui illustrait le voyage dans le passé effectué par le personnage, Spectre figure une régression ; toute magie s'est évaporée.

Où est la nouveauté ici, si ce n'est par les modèles de voitures, les girls ? A, si : la nouveauté, c'est que le film est le plus long de la franchise. Bien trop long en vérité, Car Mendes trousse des scènes d'une longueur, d'une langueur impossible, incompatible avec l'actioner exotique et sexy que Casino Royale avait su si bien incarner. Elle est où l'évasion, là ? Franchement.

Disponibilité vidéo : DVD/Blu-ray - éditeur : Fox Pathé Europa

Le solitaire (1981)

Un film de Michael Mann

Ce premier film du futur réalisateur de La forteresse noire, Heat ou encore Collateral est un marqueur de son temps, un sorte de chaînon manquant entre le cinéma désespéré des années 70 et l'esthétique tape-à-l’œil des 80's.

S'inscrivant dans la veine des caper movie (films de casse), Le solitaire suit le parcours de Frank, cambrioleur expert ; ce dernier, rêvant d'une vie tranquille avec femme et enfants, choisit de s'associer avec un caïd pour accélérer son ascension sociale.

Très fort visuellement (magnifiques plans de nuit où une lumière travaillée jaillit par touches impressionnistes), le film s'accorde aussi une palette musicale d'avant-garde pour l'époque, avec la bande-son électro en diable composée par Tangerine Dream (Le convoi de la peur, Legend, La forteresse noire, etc.). Le film tire l'essentiel de sa signification de son impact visuel et de son odyssée musicale, inspirant par là le Drive de Nicolas Winding Refn. De la même façon que pour le Driver / Ryan Gosling, Frank est un professionnel qui parle peu, mais qui se montre finalement  très sentimental, prêt à tout pour protéger les êtres qu'il chérit ; son tempérament occasionne un final explosif digne des meilleurs Peckinpah. 

Les aspirations de Frank, un rêve de simplicité, sont contenues dans une conversation très émouvante dans un bar avec Jessie, qui deviendra sa femme. Le voleur y dévoile des envies les plus simples et évidentes du monde, alors qu'on perçoit en même temps tous les obstacles qui lui barrent le chemin. Exemple : il souhaite avoir un enfant, rencontre la femme qu'il lui faut. Malgré cela, il accepte le marché fou  de travailler pour un mafieux en échange... d'un enfant, dont il peut -en plus- choisir son sexe. Comment faire simple... Plus que sur tout autre aspect (action, polar) c'est sur cette dimension humaine et personnelle, très malmenée, que repose le métrage. Le personnage veut entrevoir la beauté du monde, comme dans la séquence dite de "la pêche", ajoutée par Michael Mann dans la version director's cut. Cette beauté que nous offre Michael Mann, par la sophistication de sa mise en scène.

Disponibilité vidéo : DVD / Blu-ray - éditeur : Wild Side Video

Ciné d'Asie : La diablesse aux mille visages (1969)

Un film de Chung chang-Wha

Quelques années avant le succès planétaire de La main de fer, le réalisateur coréen Chun Chang-Wha réalise pour le compte de la Shaw Brothers cette comédie d'action érotisante qu'est La diablesse aux mille visages. S'inspirant ouvertement des Fantômas de Hunnebelle pour le personnage principal et la trame narrative, puis des James Bond pour le visuel riche et grandiloquent, le réalisateur signe une bande pop en diable, dignement épaulée par une partition jazzy.

Repaire souterrain, jeunes filles affriolantes, fumigènes colorés, torture électrique et riches hommes d'affaires se prélassant de spectacles  sexy dans des salons chics, tout convoque une certaine esthétique du plaisir et de la légèreté, à contre-courant des films de kung-fu aux personnages torturés que nous livrent d'habitude la Shaw. La même année sort d'ailleurs Le bras de la vengeance, suite au One-armed Swordsman de Jimmy Wang-Yu, où transparaît déjà l'ambiance serial (gadgets, surenchère sanglante). A notre connaissance, La diablesse aux mille visages montre pour la première fois chez la Shaw un aspect sexy assumé (gros plans sur petite culottes et soutiens-gorges bien remplis à la clé), qui sera plus tard prégnant dans le magnifique Intimate Confessions of a Chinese Courtesan (1972), du maître Chu Yuan.

Totalisant une petite heure et seize minutes au compteur, La diablesse aux mille visages est donc un film atypique du studio, où la légèreté est le maître mot. Deux policiers fripons tirent le film vers la comédie et clôturent d'ailleurs le métrage sur une note hédoniste et coquine.

Le montage, serré, donne aux séquences d'action une dynamique appropriée. Les quiproquos induits par les changements de tête de la diablesse sont bien amenés (la journaliste éprise de son homme deviendra ainsi le témoin, par écran interposé, de la tromperie involontaire de celui-ci, qui croit pourtant faire l'amour avec sa promise...). Pour déjouer cette erreur, l'homme trouvera un mode de détection infaillible ! Les femmes fortes ont le dessus dans cette aventure fantaisiste, où elles n'hésitent pas à faire usage de leur don inné pour le combat rapproché.

Quelle bonne idée de la part d'Arte de diffuser en novembre cette petite perle psychédélique : si vous aimez les spectacles colorés, funky et un brin parodiques, vous savez ce qu'il vous reste à faire !

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Disponibilité vidéo : DVD - éditeur : Wild Side Video