Hommage à Liu Chia-Liang (1936-2013)

Liu Chia-Liang dans Lady Kung-fu

Le 25 juin dernier disparaissait dans une indifférence quasi-générale un des plus grands homme du cinéma kung-fu, en la personne de Liu Chia-Liang. D'abord cascadeur puis directeur des combats chez le prolifique Chang Cheh, sa popularité explosera en tant que réalisateur à la Shaw Brothers, notamment pour sa trilogie de la 36ème chambre ; il est également acteur : on le voit beaucoup dans ses fameuses kung-fu comedies fin 70's - début 80's, comme dans l'excellent Mad Monkey Kung-fu (1979), ou encore Lady Kung-fu (My Young Auntie, 1981).

Sifu (maître), comme l'appellent ses collaborateurs, est un adepte de la boxe du sud, un style de combat ramassé, reposant sur un jeu de jambes stable et un gros travail de mains. Ce style de combat fera tout le sel de sa filmographie, dans laquelle il s'applique à la montrer particulièrement lisible (les meilleurs pour filmer des scènes de combat restent les directeurs de combat eux-mêmes, qui comprennent mieux que tout autre la dynamique spatiale des corps). Si certains taxent sa mise en scène d'académique, elle demeure surtout maîtrisée, saisissant les mouvement dans toute leur grâce.

Au contraire d'un Chang Cheh, tout entier dévoué à la sauvagerie des combats et à la célébration d'amitiés viriles, Liu Chia-Liang entend donner avec le kung-fu des leçons de vies, notamment en appuyant les arcs narratifs de ses films sur la relation maître-élève. Le respect dû à la figure du père, élément-clé de la philosophie confucianiste, est au cœur de l’œuvre de Liu-Chia Liang. La mante religieuse (Shaolin Mantis, 1978) est un exemple typique de cet aspect, tout comme le cultissime 36ème chambre de Shaolin, sorti la même année.

Passionné par l'art des combats, Liu Chia-Liang est, de fait, un des descendants de la lignée du légendaire Wong Fei-Hung, le fameux docteur et expert en arts martiaux incarné dans les années 90 par Jet Li dans les films de Tsui Hark. Plus précisément, son père était l'un des disciples d'un élève du célèbre maître. Le combats des maîtres (Challenge of the Masters, 1976), ainsi que Martial Club (1981), ont pour héros Fei-Hung, interprété dans les deux cas par Gordon Liu (Liu-Chia Hui), frère adoptif du Sifu. L'histoire a continué de s'écrire quand, à son tour, Liu-Chia Liang prend pour disciples certains de ces acteurs favoris, avec lesquelq il tournera quelques films marquants : Chen Kwan-Tai, Jimmy Wong-Yu, Ti Lung, ou encore Alexander Fu-Sheng. Liu Chia-Liang aura marqué de son empreinte l'histoire du cinéma mondiale : il resera dans nos mémoires.

Lecture conseillée :
Ciné Kung-Fu, François & Max Armanet, 1988
Tigres et dragons, les arts martiaux au cinéma : chevaliers et samouraïs, Christophe Champclaux, 2008

Source image : Lady Kung-fu (My Young Auntie) © Celestial Pictures

Star Trek Into Darkness (2013)

Un film de J.J. Abrams

Il aura finalement fallu attendre 2013 pour que je voie mon premier Star Trek sur grand écran ! Pourtant, c'était loin d'être gagné : le faux reboot / remake de Abrams m'avait bien déçu lors de son visionnage en DVD. J'y allais donc un peu à reculons, mais, dans le même temps, un space opera comme Star Trek doit être vu au ciné... Dont acte.

Abrams est aujourd'hui le cinéaste geek par excellence, ses films ayant pour l'instant toujours trait à une culture populaire furieusement eighties. Super 8 rappelle les films de jeunes à la Goonies, Mission impossible III (le moins réussi) s'inscrit dans une lignée de séries de films conséquentes ; tout comme Star Trek, et bientôt Star Wars. En fin connaisseur de la mythologie, soucieux à la fois de satisfaire les fans de la première heure comme les jeunes générations qui ne connaissent que Star Trek de réputation (et souvent de pas très bonne réputation), il trousse un actioner et un blockbuster tonitruant, qui ne cache cependant pas son manque de qualité de mise en scène. La caméra bouge, tout le temps, très vite, sans doute prise par l'urgence de donner un résultat remuant pour une saga qui est souvent clouée au pilori pour sa lenteur. De ce côté-là, rien de transcendant, aucune scène ne se détache de l'ensemble, et, sera-t-on tenté d'affirmer, ne restera dans les annales. Pour autant, cela se suit sans déplaisir.

Il est étonnant de voir que, dans son exercice périlleux de ni-suite-ni-remake-ni-reboot, le film se cale dans la trace du deuxième film de la saga cinématographique des années 80, lui-même faisant explicitement référence à un épisode de la série TV originale. Là où étrangement le film marche le mieux, c'est dans son attitude à constamment regarder dans le rétroviseur sans lâcher le néophyte. Comme si aucun film Star Trek ne pouvait exister sans invoquer la sacro-sainte mythologie originelle. Est-ce uniquement pour flatter le geek ? Pour le coup, je ne le crois pas; cette dimension est réussie, tout comme son méchant, joué par un Benedict Cumberbatch très charismatique (le plus marquant du film, très certainement).

Autrement, j'ai toujours autant de doutes quant à Chris Pine -Capitaine Kirk-, qui se résume à une tronche de yankee joufflu qui a beaucoup de mal à jouer. La position de Spock -Zachary Quinto- est plus jouissive, dans son détachement constant aux événements extérieurs ; les meilleurs scènes sont souvent pour lui. Dans les rôles secondaires, Simon Pegg est assez bon, même s'il perd un peu de son naturel en voulant calquer son accent sur le Scotty original (même reproche, en pire, pour le pauvre Anton Yelchin, roulant les R comme une caricature de Russkov).

Si le scénario brille par certains détours assez complexes, la facture visuelle est commune à des pelletées de blockbusters inondant les écrans chaque été. Beaucoup de gros plans, jamais une séquence très composée graphiquement, mais malgré tout un tempo appréciable, qui ménage quelques pauses au milieu du déchaînement pyrotechnique à l’œuvre (le scène Kirk / Spock dans la dernière partie, même si le fan reconnaîtra la même scène dans La colère de Khan, simplement inversée). Donc, pour l'instant, peu de preuves du talent de Abrams, si ce n'est en terme marketing. Les intentions sont bonnes, l'exécution moins convaincante, même s'il donne du spectacle. Concernant son prochain film qui sera d'ores et déjà le succès de l'année 2015, on l'attend au tournant, sans beaucoup d'exigences toutefois...

Source image : Star Trek into Darkness © Paramount Pictures

Live long and prosper : Star Trek débarque sur Arte !

Amis de la SF, des paradoxes temporels et de l'exploration de planètes et peuplades exotiques, tous à vos postes ! Arte inaugure dès ce soir dimanche 26 mai 2013 un cycle Star Trek ! Au programme, les 6 épisodes cinématographiques de la saga impliquant l'équipage d'origine (Star Trek : le film, Star Trek II : la colère de Khan, Star Trek III : A la recherche de Spock, Star Trek IV : Retour sur terre, Star Trek V : l'ultime frontière, Star Trek VI : Terre inconnue), plus le meilleur épisode (peut-être de toute la saga dans son entier) : Star Trek : Premier contact, avec l'équipage de Star Trek : The Next Generation et les méchants Borgs, dirigés par une reine carrément borderline.

Ajoutez à cela deux documentaires dont un inédit (Star Trek : True Stories, ce soir à 22h45), la ration est tout à fait honorable. Pour les novices, débuter par Star Trek : le film s'avèrera assez déroutant, l'équipage vieillissant et les thématique sur la mort, sans compter le mystère V'ger, se détachant finalement d'un épisode classique de Star Trek. On vous conseille l'épisode II, avec un Ricardo Montalban viril tout en poitrine luisante, et la trilogie qu'il forme avec les épisode III & IV, réalisés par Leonard Nimoy, Spock en personne.

Tout cela pour amener au fait que ce Star Trek a fait de mieux n'est pas forcément au cinéma. Si vous aimez, plongez-vous dans la série originale : même si le tempo est un lent, la mythologie et le message de tolérance et d'humanisme distillé par Gene Roddenberry, sans compter le décorum SF assez excellent et les tenues parfois sexy en diable peuvent vous ravir. A bon entendeur !

Plus d'infos sur la programmation d'Arte

Hommage à Ray Harryhausen (1920-2013)

Le voyage fantastique de Sinbad

Un des grands maîtres de l'animation en stop-motion s'est éteint, le 7 mai 2013 à l'âge de 92 ans. Ray Harryhausen était un grand illustrateur de l'imaginaire au cinéma : il a fait vivre, sous les yeux grands ouverts de spectateurs éberlués, un cyclope (dans Le septième voyage de Sinbad, Nathan Juran 1958), des dinosaures (dans La vallée de Gwangi, Jim O'Connolly, 1969), la déesse Kali (dans Le voyage fantastique de Sinbad, avec John Philip Law dans le rôle-titre), les puissantes divinités oeuvrant autour des humains dans Le choc des Titans, sans oublier le fameux combat de squelettes dans Jason et les argonautes. Sam Raimi saura s'en souvenir dans Evil Dead III : l'armée des ténèbres. Elargir l'éventail des possible dans la représentation des légendes fantastiques à l'écran : cela semblait une devise pour cet amoureux de l'animation.

Disciple de Willis O'Brien (pionnier des trucages en stop-motion avec Le monde perdu sorti en 1925), Harryhausen découvre sa vocation dans ce cinéma de l'impossible, des mythes et légendes. Son apport technique significatif à l'industrie des effets spéciaux fut la généralisation de la double-exposition pour combiner figurines animées images par images et prises de vues réelles : auparavant, la technique la plus souvent utilisée était la rétroprojection ! A travers cette myriade de personnages exotiques, lointains dans le temps et dans l'espace, son oeuvre a marqué des générations de cinéphiles.

Rappelons-nous de ses exploits avec sa scène la plus célèbre dans Jason et les Argonautes (Don Chaffey, 1963) :

Expo à ne pas rater : Musique & cinéma, le mariage du siècle ?

La vie culturelle parisienne offre une multitude de manifestations hautement intéressante, qu'en ma qualité d'annécien j'ai rarement l'occasion d'exploiter. Cette occasion-là, pour le coup, est à saisir pour tous les amoureux de la musique de films, et de la musique tout court, d'ailleurs. La Cité de la Musique et le commissaire de l'expo, N.T. Binh, permettent ainsi, jusqu'au 18 août 2013, de se plonger dans un univers où les images -souvent magnifiques- se marient à la musique la plus diverse possible.

Dès l'entrée, le ton est donné : la pénombre ambiante rappelle l'atmosphère ouatée d'une salle de cinéma, et des sujets télévisés sont accessibles en solo (ou en duo) en s'installent confortablement sur des chaises de réalisateurs. Ces sujets télé, compilation d'émissions où s'expriment des réalisateurs et des compositeurs célèbres (Ennio Morricone, Michel Legrand, Alexandre Desplat, John Williams, en regard de Sergio Leone, Jacques Demy, Jacques Audiard et Steven Spielberg), s'adjoignent de panneaux retraçant l'histoire de la musique de films, de la sonorisation en direct par un pianiste au temps du muet, des premières musiques synchronisées, puis de l'usage de musiques pré-enregistrés et des compositions originales : musique symphonique, moderne... La Cité de la musique a profité de l'occasion pour exposer quelques partitions originales, de la main de ces compositeurs qui ont façonné, et qui font aujourd'hui, les grandes heures de la musique de film.

Certains écrans proposent des choses assez sympathiques, comme pour 2001, l'odyssée de l'espace : les producteurs du film ont demandé au compositeur Alex North de créer une partition originale pour le film, alors que Kubrick, qui y était opposé, choisira de la musique classique, notamment des deux Strauss (Richard et Johann). Sur plusieurs séquences, le choix nous est proposé de choisir entre les deux partitions (celle de North fut finalement enregistrée en 1993, par le Royal Philarmonic Orchestra de Londres et dirigé par Jerry Goldsmith), le visiteur pouvant changer à la volée. Outre la (re)découverte du score, la confrontation entre l'atmosphère musicale de North -moins mélodique, plus moderne- et les images spatiales de 2001 fonde une expérience entièrement renouvelée.

L'exposition donne à mon sens plus à voir de cinéma, qu'à entendre véritablement la musique : ce n'est pas pour me déplaire, tan la musique, dès lors que l'on parle de cinéma, fait corps avec l'image dans un ensemble que l'on nomme film. Deux autres éléments d’expositions m'ont franchement marqué : un panorama de génériques de début qui fonctionnent principalement grâce à leur bande-son : ainsi, de la partition effrayante de Bernard Herrmann pour Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958) jusqu'à celle de Dans la maison (François Ozon, 2012) de Philippe Rombi, en passant par Rosemary's Baby, L'arnaque, Delivrance, Edward aux mains d'argent ou Drive, on embarque pour une petite heure de balade musicale franchement recommandable. Enfin, dans une véritable petite salle de cinéma, 3 grands écrans diffusent côte à côte une sélection de passages de films (souvent très connus) où la musique joue le grand rôle de narrateur. Le petit plus qui prouve le bon travail fourni ? Les images et le son diffusés sont repris des meilleures sources existantes, à savoir leur restauration pour les sorties et blu-ray et les reprises cinéma. Bref, une très belle exposition pour le plaisir des yeux et des oreilles. En plus, un beau livre retraçant l'histoire de la musique de films avec moults photos et documents d'archive est disponible (il sera bientôt chroniqué sur le blog). Pour tous les passionnés de cinéma, c'est l'expo immanquable du moment ! Au fait, aviez-vous reconnu le compositeur Jerry Goldsmith sous un masque de singe pour le visuel de l'affiche ?

Source image : © Cité de la Musique