Darwyn Cooke's Batman Beyond (2014)

Un film d'animation de Darwyn Cooke

DC Comics sait fêter dignement ses héros, et ne lésine pas à la dépense. Pour Batman, ce n'est pas un (Batman : Strange Days), mais deux court-métrages qui viennent célébrer ses 75 ans. Et comme c'est un âge relativement avancé, Darwyn Cooke a voulu faire revivre la série d'animation Batman Beyond (Batman, la relève chez nous). Réalisée après le succès de Batman, la série animée et des Nouvelles aventures de Batman, cette série montrait un Gotham futuriste où un Bruce Wayne vieillissant passait la main à un jeune homme -Terry McGinnis-, qu'il initie et seconde dans la lutte contre le crime.

Le court commence dans la Batcave, lieu ô combien signifiant dans la mythologie du Batman, recelant à la fois son arsenal technophile et guerrier, comme le souvenir de ses affrontements et traumas du passé. McGinnis, croyant Wayne attaqué, se rue à son secours... en fait, ce dernier lui a concocté une séance d'entraînement plutôt intense ! C'est d'abord un Batman jeune qui l'attaque. En vérité, il s'agit d'un robot aux couleurs du Batman de la série Les nouvelles aventures de Batman. Après en avoir fini, McGinnis lâche un "Désolé mon gars, mais tu es de l'histoire ancienne", commentaire méta-textuel sur ce Batman anachronique en 2039, époque de Batman Beyond.

L'hommage aux oeuvres télévisuelles ou cinématographiques dédiées au Dark Knight ne fait que commencer, car d'autres opposants viennent se mesurer au tandem Bruce Wayne / McGinnis : on reconnaît ainsi, dans l'ordre d'apparition, l'incarnation de Beware the Batman, dernière série animée en date sur le personnage, The Batman, la série typée "enfants" entre 2005 et 2010 ; puis c'est au tour du Batman de Neal Adams, ancré dans les années 60 et repris dans la série Batman, l'alliance des héros, d'apparaître. Ensuite, le Batman massif de Frank Miller dans Dark Knight Returns, puis celui des adaptations cinématographiques de Tim Burton, le Batman campy de la série des années 60 avec Adam West, puis l'apparence du Batman originel tel que présenté sur la couverture de Detective Comics #31, daté de septembre 1939. Par ce voyage dans le passé de quelques instants, Darwyn Cooke réussit à rendre un hommage dynamique et expressif aux différents visages du chevalier noir.

Le court-métrage :

Source image : image extraite du court-métrage © DC Entertainment / Yahoo Movies

Batman : The Dark Knight Returns (2012)

Un film d'animation de Jay Oliva

Profitons des 75 ans de Batman ce mois-ci (l'apparition du personnage date de mai 1939) pour nous attarder sur une excellente adaptation animée d'un comic exceptionnel, The Dark Knight Returns. Paru directement en vidéo dans la collection DC Universe Animated Original Movies, l'adaptation du comic de Frank Miller, qui a redéfini jusqu'à aujourd'hui la vision du Chevalier Noir, est marquante à plus d'un titre.

Pour la première fois depuis la création de la collection, un comic est adapté en deux films distincts totalisant plus de 2h30 ; le casting vocal est de haute volée, et emprunte plusieurs acteurs de renom (Peter RoboCop Weller, Michael Lost Emerson). Adapter un monument tel que The Dark Knight Returns n'a pas été pris à la légère : la qualité graphique est de très belle facture, tentant de s'approcher autant que faire se peut du style brut de Frank Miller.

The Dark Knight Returns propose un Bruce Wayne vieux, ayant délaissé depuis longtemps son activité de justicier ; activité qu'il reprendra lorsque son ami d'atan, Harvey Dent, devenu Double-Face, s'évapore dans la nature. L'adaptation est faite intelligemment, ne calquant pas forcément case à case par rapport au comic, ce qui avait été reproché à l'adaptation de Batman : Year One, tout en conservant une très bonne dynamique (de magnifiques plans où l'on entrevoit des hommages aux cases les plus emblématiques du comic). Les monologues intérieurs, très présents chez Miller, dans une forme de réminiscence du film noir, sont quasiment tous gommés, pour plus d'efficacité. La violence extrême du comic est également encore présente, le sang giclant lorsque c'est nécessaire.Sur le plan de la ligne temporelle, l'adaptation réussit là encore un bon point, en dépeignant un monde futuriste, tout en restant graphiquement ancrée dans les années 80, Miller ayant écrit créé Dark Knight Returns en 1986.

Le portrait à charges des figures de l'autorité (gouvernement, médias, police) passe également bien la barrière de l'animé ; l'impact de ce contenu politiquement incorrect (Superman est le bon petit soldat du Président, Selina Kyle, croulante, est devenue gérante d'une maison de passes, le maire de Gotham meurt dans d'atroces souffrances, ...) est épaulé de façon tonitruante par la bande-son de Christopher Drake, déjà responsable de celle de Batman : Year One ou Batman et Red Hood : sous le masque rouge.

Avec The Dark Knight Returns, DC renoue avec la qualité qui a fait sa renommée dans les années 90 ; une adaptation respectueuse des personnages, une direction artistique parfaite, loin des sous-traitances coréennes qui ont entachées nombre de leurs productions ces dernières années. A ce jour, il s'agit de la plus grande réussite de DC / Warner dans le domaine de l'animation, rejoignant Batman contre le fantôme masqué ou Batman et Red Hood : sous le masque rouge. Une grande réussite qui vaut largement les meilleures adaptations en prises de vues réelles dédiées au personnage tel que Batman Begins. 

Disponibilité vidéo : DVD / Blu-ray - éditeur : Warner Home Video

Source image : image du film © Warner Premiere / DC Entertainment

Vivre et laisser mourir (1973)

Un film de Guy Hamilton

Après Sean Connery et George Lanzenby, qui pour jouer le plus célèbre des agents secrets ? Ian Fleming, le créateur de James Bond, avait pensé à Roger Moore dès 1962, mais le tournage de la série Le Saint empêcha son recrutement. Amicalement Vôtre est ensuite passée par là, et enfin, Moore peut reprendre le rôle après une dernière apparition de Sean Connery dans le canon officiel, Les diamants sont éternels (Guy Hamilton, 1971).

Plusieurs questions se posent pour le film, qui deviendra simplement l'un des pires de toutes la saga. D'abord, le cadre de l'intrigue, avec la Nouvelle-Orléans, Mardi-Gras et la parade musicale ont déjà été mis en scène dans un précédent Bond, Opération Tonnerre. La redite n'étant visiblement pas un problème pour les producteurs (la multitude de poursuites à skis dans les Bond en est un exemple flagrant), la séquence est gardé. Le folklore noir, en plein période Blacksploitation, sent la formule, et tout paraît très calculé, de même que les passages dans le bayou, et l'interminable poursuite en bateau hors-bord.

Vient ensuite, la performance de Moore lui-même, et des autres membres du casting. En voulant se démarquer des interprètes précédents, Moore accentue le machisme à un degré stratosphérique, qui met Bond en position de mâle ultime, alors même que c'est avec Moore qu'il est le plus maniéré. La panoplie jean délavé, débardeur blanc et bronzage caramel est totalement décalée par rapport à la virilité du personnage. Moore joue la partition Bond à la coule, sans s'en faire le moins du monde, toujours flanqué d'un demi-sourire satisfait. Si Jane Seymour, pour son premier rôle au cinéma, s'en sort bien (son costume étincelant de nombreuses pierres précieuses est sublime), ce n'est pas le cas de la pauvre Rosie Carver, interprétée par Gloria Hendry, qui a du mal à paraître crédible (et, accessoirement, à bien jouer). Sa mort, rapide et efficace, est presque un soulagement...

Quelques clins d’œil à la mythologie sont tout de même bien sentis (Quarrel Jr., le fils du pêcheur dans Dr. No, accompagne Bond), mais l'humour forcé empêtre le film dans la parodie, comme cette Mme Bell qui vient prendre des cours d'aviation et tombe sur l'instructeur Bond, qui décanille l'appareil en quelques minutes, ou encore le shérif Pepper, un nigaud qui chique son tabac pendant toute sa prestation.

Terminons sur une question : mais que vient faire le vaudou dans un James Bond ? La touche d'étrangeté fantastique qui saupoudre le récit n'apparaît pas avoir sa place dans ce film, totalement décalée, participant au melting-pot ambiant. Vivre et laisser mourir peut également prétendre à la mort du méchant la plus ridicule, et ce n'est pas un cadeau...

Her (2014)

Un film de Spike Jonze

Un film romantique de science-fiction par le cinéaste de Dans la peau de John Malkovitch, avec le rare Joaquin Phoenix et la voix de Scarlett Johansonn, ça interpelle ; tous les éléments sont là pour attiser la curiosité. Mais en vrai, c'était bien ?

Le film propose une toile de fond temporelle assez irrésistible : dans un futur proche, tout le monde vit rivé sur son portable, la moustache est à la mode (pour tout ça, c'est déjà le cas aujourd'hui), et l'hologramme a remplacé le tactile, so 2010's. Une firme informatique lance le système d'exploitation intelligent ; cet ensemble de programmes devient une personne, qui réagit, apprend, surprend, se comporte naturellement. C'est le coup de foudre entre Samantha, la voix dans la machine, et Theodore, qui vit une histoire compliquée, entre son ex et sa meilleure amie.

Il y a quelque chose d'assez exceptionnel dans le début de ce film, qui se trouve dans l'équilibre ténu entre ce qui nous est familier (en terme de technologie et de psychologie) et ce qui l'est moins ; le fait que cette science-fiction soit déjà là. Le film de croule pas sous les artefatcs futuristes, et pourtant les rares éléments que l'on aperçoit sont marquants : un jeu vidéo auquel on a tout de suite envie de jouer, des ordinateurs qui comprennent tout ce qu'on dit. Cet univers nous parle et donne envie d'en savoir plus.

La science-fiction est un peu plus qu'un prétexte, mais le cœur du film est ce besoin de rencontrer l'autre, d'être toujours à la recherche de celui ou celle qui partagera notre vie ; et l'histoire de donner une résolution très moderne (et pas du tout invraisemblable, compte-tenu de l'avancée des technologies et de l'addiction terrible que produisent les ordinateurs et internet) à cette quête universelle. Le film, qui baigne dans une une douce mélancolie, évoque le cinéma de Sofia Coppola et plus particulièrement Lost in Translation. Scarlett Johansson, qui joue aussi dans ce film, pourrait occuper le même appartement que Joaquin Phoenix, mais les ressemblances ne s'arrêtent pas là : les teintes légèrement passées de la photo du film, par ailleurs sublime, affichent une correspondance évidente avec le film de Coppola.

Le film coince tout de même sur la longueur ; deux heures, pour un film romantique, même un peu spécial, c'est long. Il a une différence entre prendre le temps et faire ressentir le temps long. Les péripéties de la dernière demi-heure sont poussives, alors même qu'elles sont attendues, le mérite du réalisateur étant au moins d'aller au bout de l'idée, et d'offrir un message clair sur l'évolution des relations humaines. Je vous le dis, on était à vingt minutes du chef-d’œuvre.

Hommage à HR Giger (1940-2014)

L'artiste Hans Rudi Giger est décédé le 12 mai dernier. Il laisse notamment derrière lui une trace indélébile dans le cinéma de science-fiction et d'horreur, la créature d'Alien. La créature ne fut pas créée spécialement pour le film ; Giger avait déjà imaginée cette forme biomécanique pour illustrer son livre Necronomicon ; Ridley Scott, ayant eu connaissance de l'ouvrage, a totalement accroché avec le style de l'artiste, et a engagé Giger sur foi de ces images. Des images du Necronomicon furent également publiées en 1977 dans la revue Métal Hurlant n°21. S'il a participé à divers degrés aux autres films de la saga, son influence sur l'aspect visuel de Prometheus est prégnante, Ridley Scott ayant fait de nouveau appel à lui.

Mais Giger était aussi un artiste total, torturé et hanté par toutes sortes de cauchemars qu'il tente visiblement d'exorciser par ses créations, qui distillent toutes une sensation de malaise, en même temps qu'une forte connotation sexuelle. Le petit livre sorti chez Taschen, HR Giger Arh+, est déjà très complet pour avoir une vue globale du travail de l'artiste.

A tous ceux qui sont intéressés par le travail de Giger, je ne peux que recommander la visite du Musée Giger, qui se trouve dans le bourg de Gruyères, en Suisse (où l'on peut également déguster de savoureuses spécialités fromagères !). Le musée dans son entier a été créé par Giger, donc le mobilier, les motifs au sol, au mur et au plafond sont de l'artiste : une adresse imparable pour pénétrer dans l'esprit malade et fichtremment créatif de Giger, qui sonnait déjà comme une sorte de mausolée macabre de son vivant : le musée pourra jouer pleinement son rôle aujourd'hui.

Source image : Devanture du Musée Giger (détail) - collection personnelle de l'auteur.