Avec Django, la mort est là (1968)

Un film de Antonio Margheriti

Aussi appelé Vengeance, ce titre, signé par Margheriti sous le pseudo de Anthony Dawson, embraye le pas au Django originel de Sergio Corbucci. Sa parenté avec ce dernier doit être levée, fruit de la traduction française ; le héros de Vengeance s'appelant Joko (on voit d'ailleurs ses initiales sur sa valise). Dans d'autres pays, il sera nommé Rocco ou Roko. Il s'agit donc d'un faux Django parmi d'autres, légion après le succès du film de Corbucci. Dans le rôle de Joko, Richard Harrison joue lui aussi un double de Clint Eastwood dans les films de Leone, le modèle entre tous, comme Franco Nero dans Django. Ce dernier avait malgré tout un charisme bien supérieur à Harrison, qui n'a que la barbe naissante, la peau basanée et un costume de cuir pour rivaliser : c'est maigre, mais déjà ça. Un des personnages principaux de l'intrigue n'est autre que Claudio Camaso, le frère de Gian Maria Volonte (il entretient une ressemblance certaines avec son parent). On essaye ici de trousser un double d'un autre film, les éternelles sources d'inspiration étant Corbucci et Sergio Leone.

Il sera donc question de vengeance ici, oui ma bonne dame. Des mauvais mexicanos ont troué la peau des pote à Django et ce dernier se fait un devoir de leur rendre un dernier hommage par le sang. Ce qui n'est tout de même pas mal, c'est que le héros et ses "copains" décédés -d'après une ligne de dialogue en français, magnifique : "Il a tué mes copains. Et il va le payer de sa vie" sont tout de même déjà des crapules finies, prises aux piège lors d'un casse. Les tueurs que poursuit Django sont donc, encore plus qu'eux, de salauds irrécupérables et sadiques !

Les décors, loin des espaces colorés (rouges, orangés, ciel bleu azur) des films américains, sont comme délavés (ou alors, autre possibilité, c'est la copie qui l'est, celle proposée par Seven 7 sur le DVD n'étant pas de première jeunesse), terreux, d'ungris uniforme. La mort semble déjà avoir fait son œuvre dans le village où atterrit Django. Comme le disent les autochtones, "les seuls divertissements du coin sont les enterrements". Et Django va leur en donner... Ce dernier, dans sa quête de vengeance, n'hésite pas à revêtir l'étoile de shérif, uniquement dans le but de descendre un chef de bande impliqué dans la mort de ses compagnons. Sitôt le boulot accompli, il rendra son permis de tuer. Rusé, aussi taciturne et laconique que l'Homme sans nom, il traîne sa carcasse à  travers un pays désolé dans lequel il pourrais bien mourir : rien ne semble compter si ce n'est son sombre dessein. Jane, une prostituée qui joue de la guitare, se rapproche de lui mais il n'est pas sensible à ses charmes ; de là à se demander quels liens unissaient vraiment la bande d'amis, il n'y a qu'un pas, d'autant que, dans le flash-back réglementaire (passage obligé du genre expliquant les tenants et aboutissants de l'intrigue), on voit que le jeune Ricky intéresse Mendoza, le troisième larron, de façon autrement qu'amicale. Les liens qui les unissent sont donc forts, ils le seront encore dans la mort.

Il est amusant de voir cité à tour de bras un côté fantastique dans ce western qui n'en contient … aucun ! Un décor un tant soit peu original (les tréfonds d'une mine de soufre) n'ayant jamais invoqué une atmosphère fantastique à lui tout seul. Ce dernier, tout de même, est bien photographié et propose un final original à la tuerie rédemptrice du héros. En effet, si dans un premier temps, il a l'air autant à la poursuite des tueurs que du trésor qu'il a volé avec ses compères, on s'aperçoit vite qu'il a juste soif de vengeance.

Le métrage est souligné par une musique fort peu inspirée de Carlo Savina, qui, une foid encore, tente de pomper l'univers de Leone. Avec ses instrumentations minimalistes (dès que la tension survient, un petite suite de notes gratées à la guitare, toujours identique, vient nous prévenir, sans démontrer de talent mélodique, au contraire des chants de Morricone. Lors des scènes plus enlevées (passage de diligence, course dans les grands espaces), l'accompagnement musicale devient une sorte de cavalcade qui crie "vengeance". Tout cela est finalement assez marrant si on l'attaque au second degré. Loin d'être une grande réussite du genre, on ira plutôt revoir un Tire encore si tu peux ou Le dernier face-à-face, réalisés à la même période par Giulio Questi et Sergio Sollima.

Phantom of the Paradise (1974)

Un film de Brian De Palma

Faust, le fantôme de l’opéra et Oscar Wilde revisités à la sauce De Palma : avec son esthétique datée très seventies et ses multiples débordements (musique punk, orgie, personnages monstrueux), Phantom of the Paradise a été rapidement propulsé œuvre culte par toute une génération de cinéphiles. Qu’en reste t-il aujourd’hui ?

Séduit par le générique très pop et sa suite façon pré-Grease, on est agréablement surpris par le ton du film. La bande-son y joue un rôle essentiel : décalée, elle aussi très gothique dans ses ambiances (ne serait-ce que par le costume cuir / métal de Winslow Leach, préfigurant le costume de David Carradine dans La course à la mort de l'an 2000 sorti quelques mois plus tard,  et le groupe réuni par Swan, inspiré par Kiss), on assiste à un étonnant brassage des genres. Ce melting-pot donne un résultat fulgurant, inédit, provoquant l’émotion à l’état brut. Ce qui plaît, encore aujourd’hui, c’est cette ambiance si particulière, partagée entre de sublimes numéros de pure comédie musicale, des partitions à faire pleurer, Jessica Harper, l’héroïne de Suspiria (Dario Argento, 1977) dans son premier rôle, Paul Williams, maléfique à souhait manipulant le Fantôme comme le Diable.

Les techniques filmiques sont légion, pas forcément inédites mais très bien utilisées -voir les passage à expositions multiples tout au long du métrage-,  et forment dès ce métrage le style De Palma : ample, outré parfois, lyrique souvent.
Le traitement de l’intrigue surprend aussi à la première vision, et témoigne d’une maîtrise du timing impeccable : c’est ce qui permet à De Palma de trousser un véritable opéra-rock avec toute la décadence, la mélancolie, les instants pathétiques… Tout ça en un peu moins de 85 minutes !

Winslow Leach est, en plus d'être un Phantom, un vrai Phoenix (nom de la belle qu'il courtise), renaissant des cendres pour troubler l'ouverture du Paradise. Mais quoi qu'il en soit, il est aussi logique qu'un cygne (Swan) soit attiré par la douce voix d'un Phoenix (la jeune Jessica Harper). Winslow Leach / Phantom va ainsi créer pour sa belle son travail le plus achevé, le film se faisant l'apôtre d'un cliché de l'artiste, qui ne produit son meilleur que lorsqu'il est triste ; voir la scène de la création du Phantom's Theme, excellente.

Tellement ancré dans son époque par les couleurs utilisées, les costumes, ce film était voué à entrer instantanément et définitivement au panthéon du culte. Cette même année 74 donnait aussi naissance à un autre film pour lequel l’adjectif culte semble avoir été inventé, The Rocky Horror Picture Show, qui partage certaines caractéristiques avec Phantom… : comédie musicale, relents d’horreur grand-guignol, relecture mythologique (Frankenstein). Le maître artisan est présent dans les deux cas au sein du film (Paul Williams / Richard O'Brien), qui se donne chacun le mauvais rôle... Un mélange iconoclaste qui parle à notre instinct de spectateur, qui a soif de sensations nouvelles ; le mélange des genres, des costumes, des décors, au sein d’un même plan, nous en propose une belle !

La référence à Faust parcourt tout le film: Winslow, anti-héros de son état, devient l’esclave de Swan à cause d’un contrat signé au sang. Mais l’innovation est présente de bout en bout : d’où cette idée diabolique de l’enregistrement qui vieillit à la place de  son sujet (la référence au Portrait de Dorian Gray), et qui permettra le dénouement tragique de cette histoire semblant sortir tout droit d’une mythologie antique aux couleurs sonores anachroniques.

La musique du film, parlons-en, est tout bonnement superbe : écrite par Paul Williams (qui est également à l'origine du scénario, auteur de l'ensemble ; à l'origine, il avait d'ailleurs postulé pour le rôle de Winslow), elle est composée de mélodies pop imparables, alternant le très beach-boyesque Goodbye, Eddie, Goodbye, le rock Life at Last, ou l'ultra romantique et mélancolique Old Souls. Et puis, comment ne pas parler The Hell of It : débutant avec des guitares au son déchirant pour continuer comme une bondissante comptine, peut-être le morceau musicalement le plus riche de toute la bande originale, avec ses multiples phrases mélodiques qui se mélangent dans un instrumental final assez irrésistible.

À choisir,  on préfère le Phantom's Theme of course, contenant toute la douleur rentrée du personnage. La séquence qui le voit composer ce morceau, où les lignes de portées défilent sur l'écran, en même temps que l'aiguille de l'horloge et les piles de partitions qui s'amoncellent, restent aujourd'hui le pinacle émotionnel du film, puissant et fragile, désespéré, ultime supplique du Phantom à la belle Phoenix : Come together with me now...

Et si Phantom of the Paradise était le meilleur De Palma ?

Source images : Captures dvd Opening

Panorama cinématographique des derniers jours

T'as un lapin dans le tiroir  ou c'est la joie de me revoir ?

Je suis Dark Vador, extra-terrestre venu de la planète Vulcain!

Une fois n'est pas coutume, voici mes impressions sur quelques films vus ou revus récemment :

Trilogie Retour vers le futur (1985-89-90) & Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988), 4 films de Robert Zemeckis (& Richard Williams pour Roger...) : La collaboration Spielberg / Zemeckis bat son plein pour ces chef d'oeuvres du cinéma de divertissement : astucieux, drôles, et d'une cohérence à toute épreuve, les Retour vers le futur ne perdent pas de leur pouvoir de fascination, ce malgré de multiples visionnages en vidéo-club, dvd et aujourd'hui blu-ray. Les multiples ponts entre les films, le fabuleux deuxième épisode qui ose revenir à l'intérieur du premier, la galerie d'acteurs (Michael J. Fox pour le(s) rôle(s) de sa vie, Thomas F. Wilson en irrascible et magnifique Biff, Lea Thompson), les excellentes voix françaises (Lucq Hamet, aussi à l'oeuvre pour le personnage principal de Roger..., Richard Darbois)... Nostalgique, ode au matérialisme très 80's, futuriste anti-Blade Runner, Westernien comme un Disneyland, ces films sont immortels. Et, comme en téloignent les scènes biffées du montage final, la mort à l'écran, elle, n'existe pas... Tout au plus est-elle utilisée comme astuce scénaristique pour pallier à l'absence de Crispin Glover (McFly père), trop gourmand pour le deuxième épisode. Et quelle musique d'Alan Silvestri...

Roger Rabbit témoigne lui de la soif d'expérimentation de Zemeckis, poussant plus loin toute autre tentative passée de confrontation prise de vues réelles / animation, sans que l'ampleur de sa réalisation en soit affectée. Un humour fou qui transforme les humains en cartoons de Tex Avery ou les font succomber aux charmes très suggestifs d'une Jessica Rabbit affolante... mais non moins terriblement zoophile ! Un tour de manège où l'on retrouve des visages connus, plein d'une certaine nostalgie, toujours...

Les petits mouchoirs (2010), de Guillaume Canet : au contraire de la majorité des blogueurs ciné, j'ai plutôt apprécié ce film, moi qui vais à reculons vers ce genre d'exercice. J'ai surtout très bien marché dans les scènes dites drôles, la tribu d'acteurs réagissant avec un naturel confondant. Ce film de potes m'a fait un grand effet de réel, et rien que pour cela, il mérite d'être salué. Après, le pathos n'est malheureusement pas loin, et l'idée de départ est tout de même foireuse (même si réellement vécu par Canet, ça ne s'excuse pas). Pour Marion Cottillard dans l'eau qui engueule tous les autres.

In & Out (1997), de Frank Oz : une comédie pour Kevin Kline, assez excellent dans son rôle d'homo refoulé. Pour la séquence de "la cassette", et pour Tom Selleck. La courte durée du film sied bien à la légèreté du traitement.

Sunshine (1999), de Istvan Szabo : cette fresque historique qui prend comme encrage une famille juive gane sur la durée, conséquente, du film, et l'ampleur des événements montrés. Les ellipses passent beaucoup trop vite dans la première partie et donnent l'impression d'un téléfilm de l'après-midi sur M6 ; n'existerait-t-il pas une version plus longue, permettant de délier les premiers événements ? A priori non, mais le rythme a du mal à se trouver. Au fur et à mesure que l'Histoire progresse, la performance de Ralph Fiennes devient plus évidente, empreinte d'une tragique grandeur ; le reste du casting révèle des choix judicieux (Rachel Weisz, Mark Strong). Une fresque qui ne manque pas d'ambition, et qui arrive presque à nous convaincre.

As tears go by (1988), de Wong Kar-Wai : Sombre histoire de mafia chinoise, relevée d'une bluette surréaliste, le premier film du réalisateur de In the Moood for love déçoit forcément : l'équilibre entre les deux sensibilité est difficile à trouver, entre scènes poétiques annonciatrice de son grand succès (l'atente à la gare) et scène de bagarre typique du cinéma hong-kongais des années 80-90. D'ailleurs, la romance est bien plus appuyée dans la bande-annonce et la jaquette du titre, que dans le film lui-même.