Mission (1986)

Un film de Roland Joffé

Mission a fait couler beaucoup d'encre à sa sortie en 1986. Palme d’or controversée à Cannes et Oscar de la meilleur photo, le film de Roland Joffé était attendu après le très bon La déchirure, qu'il avait réalisé deux ans plus tôt. Cette histoire véridique d'une mission d’évangélisation sur le territoire des indiens Guarani reste toujours aujourd’hui un film d’une puissance rare, par la beauté des images, la grâce divine de la musique d'Ennio Morricone et un très bon duo d’acteurs aux personnalités antagonistes, Jeremy Irons - frère Gabriel, prêtre jésuite, et Robert De Niro - Rodrigo Mendoza,  ancien marchand d’esclaves cherchant sa rédemption dans la religion. Il est intéressant de considérer La Mission du titre comme polysémique, pouvant illustrer mission évangéliste envers les indiens, mission du jésuite pour sauver l'âme de Mendoza, et enfin mission de Mendoza pour mener à bien son dernier combat : tout est mission.

La lutte entre deux conceptions du monde est le centre vital du film, opposant nature et civilisation, nature et religion. Pendant un temps, la fusion opère d'ailleurs plutôt bien, dans un endroit qu’on croirait sorti d'un livre d’images, et qui s'impose comme un paradis terrestre. Mais l'évangélisation n’est pas le seul but des pays dits civilisés, il s'agit aussi de partager les terres entre espagnols et portugais. Dès lors, les autochtones seront chassés de leur terre, une terre certainement trop belle pour eux de l'avis des ecclésiastes et des politiques. Cependant on pressentait depuis le début que de cette invasion, de cette lutte entre des éléments antagonistes, toutes les forces en présence y perdraient beaucoup. On pourrait ici rapprocher cette impossibilité de nature avec le propos du Narcisse Noir, grand film anglais du duo Powell-Pressburger, les deux œuvres se clôturant par le même constat d’échec. L'extrême cruauté (quoi de pire que l’indifférence au sort d’autrui ?) côtoie donc la plus grande beauté, chaque plan alignant certaines des images les plus splendides jamais vues sur un écran. Le coup de génie du film est sûrement dans le choix du lieu de tournage, les chutes d'Iguaçu, encastrées entre le Brésil et l’Argentine ; somptueuses, quasiment surréelles, elles sont magnifiées par l’art du chef-opérateur Chris Menges. La forêt, envahissante, et les chutes d’eaux, au vacarme tonitruant semblant venir des temps les plus reculés, semblent avoir raison de l’ambition des hommes à les conquérir.  Et la musique de Morricone, entre envolées aux accents religieux et mélodies indiennes, de souligner toute la douloureuse beauté d’un film qui constitue, à n'en point douter, une grande réussite.

Quantum of Solace (2008)

Un film de Marc Forster

Le nouveau James Bond étonne tout en faisant état d’une continuité évidente. Il constitue le premier film de la franchise à être une suite directe du très bon Casino Royale. Dans le rappel de ce simple fait, on décèle un changement plus profond que cela paraît : la dimension toute serialesque chère à James Bond, avec lequel une aventure complète nous était proposée à chaque film, et chez lequel on retrouvait des caractéristiques récurrentes. Rappelons ici que nous sommes au cœur d’un renouvellement complet de la franchise, Casino Royale et Quantum of Solace représentant un épisode 0 dans la caractérisation d’un nouveau Bond. En effet, on peut se demander dans quel mesure on assiste à un James Bond movie : pas de gadgets (rupture déjà amorcée par Casino Royale, radicalisée ici), pas de frivolités avec la gente féminine (Bond ne flirte même pas avec Olga Kurylenko), impasse sur l’humour, pas de "My name is Bond, James Bond". Entre tradition et (r)évolution, le nouvel opus signé Marc Forster semble avoir choisi son camp. Quantum of Solace fait montre d’une rudesse qui saute à la gorge, de rugosité, voire d’austérité, loin des fastes du passé (décors, voitures, ...).

Le plus connu des agents secrets poursuit une quête de vengeance personnelle froide et limite aveugle, devenant une machine à tuer incontrôlable digne d’un Terminator, pour qui le respect des ordres donnés par sa hiérarchie est... aléatoire. C’est là que Quantum of Solace paye un trop lourd tribut à la trilogie Bourne. L’agent de l’écrivain Robert Ludlum et ses adaptations cinématographiques ont dépeint de façon trop évidentes sur les scènes d’action du métrage, rendues illisibles par un excès de tremblements et de sur-découpages : sans plan de référence montrant l’ensemble de la scène, on est perdu alors même que seulement deux protagonistes se battent ou se coursent à l’écran. Bond, dissident au sein même de l’organisation qui l’emploie, rappelle le parcours de Timothy Dalton alias James Bond dans le violent Permis de tuer (John Glen, 1989). Pour être un Bond crédible dans le film d’espionnage d’aujourd’hui, il doit se poser en rebelle, en électron libre au sein d’un système où toutes les cartes sont truquées d’avance. Le monde dépeint dans le film s’affranchit de toute notion prédéfinie de bien ou de mal, et privilégie une théorie du complot où les membres les plus importants des états dominants font affaire avec des truands notoires en connaissance de cause. La note d’intention est bien un réalisme à outrance, moins charmant mais plus (trop ?) crédible. On se retrouve donc dans une configuration de pur récit d’espionnage, empli de couvertures, d’infiltrations, et d’un certain flou dans les motivations de chacun. On perd cependant beaucoup du charme d’un Bond classique (couleurs chaudes, belles voitures, lieux paradisiaques, une fenêtre de fantaisie et de rêve).

A l’image du monde actuel, James Bond subit des transformations d’importance : il est un des témoins révélateurs de notre époque, le changement dans la continuité ; à chacun de choisir dans quel époque ils préfèrent vivre.